Entrevista con galería 24/7, Londres

Monday, March 1st, 2004

LONDRES: En sus propias palabras, “La misión de 24/7 es la de exhibir lo que sea, cuando sea y donde sea.” LatinArt.com se sienta un rato con los fundadores de este espacio para charlar sobre su trabajo.

Donna Conwell: En su sitio Web se declara que “24/7 expone obras de jóvenes artistas contemporáneos de América Latina que viven en Londres o en el exterior y cuya producción cuestiona los clichés y representaciones convencionales de la producción cultural en América Latina”. ¿Podrían afirmar que 24/7 se desarrolló como respuesta a la percepción de una falta de representación o una representación distorsionada de los artistas de América Latina en Londres?

Pablo León de la Barra: 24/7 evolucionó a partir de dos factores: en primer lugar, debido a las dificultades para incursionar en el círculo artístico de Londres, que es muy hermético y de carácter intrínsecamente británico, y en segundo lugar, la temática latinoamericana, que fue prácticamente un accidente. Al principio no pensábamos concentrarnos específicamente en los artistas de América Latina. Ocurrió que, gradual y naturalmente, al pensar en artistas cuya obra nos interesaba, se hizo evidente que el énfasis estaba puesto en América Latina.

Juan Sebastián Ramírez: La declaración apunta al hecho de que nos oponemos al exotismo de los artistas de América Latina. Nos oponemos a la idea de que si provienes de América Latina deberías producir una determinada clase de arte. Como señalaba Pablo, los artistas latinoamericanos suelen coincidir en mayor medida con nuestra forma de pensar y trabajar. No están acostumbrados a que se los invite a mostrar su obra en galerías. Sus recursos son escasos. Esta clase de actitud informal y autodidacta en el modo de realizar su obra concuerda con la manera en que también trabajamos nosotros. Sin embargo, hemos analizado que no deberíamos trabajar solamente con artistas de América Latina porque no queremos que se nos clasifique en esa categoría. Queremos ser libres para crear por medio de todo aquello que los artistas o los espacios puedan aportar a nuestras estrategias.

PLB: En términos de producción, nos interesa dejar que ocurran las cosas o que se resuelvan de una manera mucho más natural. Hemos descubierto que los artistas o las obras que nos interesan se relacionan con el contexto socio-cultural-político de una forma muy específica. Podría ser mediante la ironía o las estrategias políticas o el abordaje del elemento popular. A medida que se fue desarrollando 24/7, advertimos que tenemos una actitud de apertura para trabajar con artistas cuya obra se concentra en la vida real y en la cotidianeidad sin importar su nacionalidad.

DC: Algunas de las estrategias curatorias que han empleado con 24/7 resultaron muy poco convencionales e incorporaron a públicos diversos. ¿Podrían referirse a sus dos principales proyectos: la Wall Gallery [Galería Mural] y la Traveling Gallery [Galería Itinerante]?

Beatriz López: Nuestra primera exposición fue la Wall Gallery, que presentaba la obra de Stefan Brüggemann. Utilizamos el muro de una casa ubicada en la esquina de Club Row y Redchurch Street en el East End de Londres para exponer su creación textual Against International Standards (En contra de las normas internacionales). Fue una experiencia fantástica porque alguien robó la obra. Llamé a Pablo para contarle que la pieza había desaparecido y él salió a buscarla. La encontró tirada en una esquina. Cuando regresé, ya estaba nuevamente en la pared. Creo que fue un comentario significativo sobre el lugar preciso en que nos encontrábamos. Estábamos en la calle con todas sus contingencias. Era un diálogo con el espacio.

PLB: Quedó demostrado que nuestro público no es el público habitual de los eventos artísticos.

JSR: Me gustó Independent State (Estado independiente), que fue un proyecto donde habitamos una zona temporariamente autónoma dentro del espacio de la Galería Five Years durante tres días. No queríamos ser demasiado serios o pretenciosos y por ello pensamos organizar eventos diarios y crear un espacio que se asemejara más a un lugar habitable que a un cubo blanco con objetos valiosos.

BL: Decidimos que si íbamos a pasar tres días allí, deberíamos divertirnos. Me interesaba mucho el clima. Allí había niños. Había un perro loco llamado Olive. Tomábamos cerveza. De ningún modo era el espacio seguro e higiénico de un museo.

JSR: Nuestro enfoque consistió en transformar el ámbito de la galería en una sala de estar, pero no queríamos que ello implicara incorporar mobiliario o algo similar. En realidad se trataba de generar un estado de ánimo libre de presiones.

PLB: Creo que el cambio de espacio nos benefició en gran medida y nos abrió a nuevas posibilidades. Si nos hubiéramos limitado a exponer obras en las paredes, creo que se hubiera tornado formulístico. El hecho de que volviera el dueño de la pared y no le gustara lo que estábamos haciendo nos permitió descubrir nuevas posibilidades y reflexionar acerca de prácticas diferentes y espacios diferentes. Creo que nos hemos vuelto mucho más flexibles en términos de ocupar diferentes espacios, algunas veces con objetos permanentes y otras con eventos de estilo guerrillero: un determinado tiempo en un determinado lugar. Me parece que 24/7 tiene también potencial para evolucionar en otras direcciones.

DC: ¿Nos podrían contar acerca de la Galería/Pub Guacamole?

BL: Se realiza todos los lunes en George and Dragon, el pub donde trabajamos Pablo, Sebastián y yo. Invitamos a diferentes artistas/chefs para crear sus propias versiones de guacamole.

PLB: El desarrollo de este proyecto se llevó a cabo en una época en que no teníamos dinero para producir ninguna otra clase de evento. Fue un esfuerzo en colaboración: el dueño nos brindó apoyo y el negocio de la esquina donó tortillas. Así como para crear guacamole es necesario mezclar tomate con otros ingredientes, la noche de guacamole incorpora personas y lugares diferentes y disciplinas diferentes. Se suscitan interrogantes interesantes porque, como ocurre con la mayoría de las comidas, el guacamole parece tener un origen (México), pero en realidad debido a la mezcla de ingredientes y a la manera en que se los incorpora o no, su origen se torna problemático. El guacamole se transforma en una metáfora muy interesante acerca del modo en que se produce el arte y que cuestiona la idea de localismo, originalidad e identidad. Aquello que aparece como una noche común y corriente, en realidad no lo es.

DC: Conocemos la capacidad de las corrientes consagradas para asimilar las iniciativas de espacios, acciones o proyectos periféricos, alternativos o independientes. En los últimos tiempos, resulta interesante la manera en que los marchands y las galerías comerciales junto con las instituciones tradicionales evidencian una activa disposición para emplear estrategias curatorias alternativas y organizar eventos con artistas emergentes e incluso novatos. Frente a esta tendencia, ¿qué papel consideran que deben jugar los espacios alternativos? ¿En qué sentido pueden afirmar que 24/7 es alternativa?

JSR: Creo que podemos considerarnos alternativos porque nuestra manera de trabajar es muy diferente de la que emplean los espacios institucionalizados. No tenemos sede; no tenemos obligaciones. No debemos preocuparnos por la misma clase de problemas que tienen las galerías y los museos. No tenemos presupuesto y, en consecuencia, no se produce una dinámica de intercambio entre el artista y nosotros. No existe ninguna relación de poder.

PLB: Durante los últimos diez años, las instituciones dedicadas al arte se han ido apropiando de las técnicas de los espacios alternativos para integrarlas a sus programas. Creo que ello representa un tremendo desafío para los artistas que trabajan con nosotros. Resulta más estimulante que trabajar con un espacio que cuenta con múltiples recursos. Por ejemplo, presentamos un evento de un día de duración dedicado a Carlos Amorales (un creador consagrado y uno de los artistas mexicanos mas exitosos en el exterior) quien, debido a su nivel en el mundo del arte, esta acostumbrado a contar con presupuestos elevados. Sin embargo, creo que trabajar con nosotros y sin presupuesto representó un desafío vivificante para él.

DC: ¿Será porque los artistas deben aguzar la creatividad cuando sus fondos son escasos?

PLB: Sí. Creo que les ayuda a poner los pies en la tierra. En cierto modo, nuestra práctica consiste en trabajar con artistas que se encuentran de paso en Londres y conseguir que efectivamente se dediquen a crear.

BL: Cuando adoptas una modalidad formal, puedes llegar a sentir que te distancias y la obra puede perder vitalidad.

PLB: Creo que podemos ser flexibles porque no tenemos un programa fijo. Podemos negociar tanto con los márgenes como con el centro. Para retomar la temática latinoamericana, considero que se relaciona con el hecho de que nos consideren la periferia y que debamos negociar con el centro. No estamos exactamente en el centro, pero tampoco estamos exactamente en el exterior. En mi opinión, todo ello nos otorga flexibilidad de movimiento y capacidad para entablar diálogos que se vuelven muy interesantes.

DC: ¿Podrían referirse a la importancia de la espontaneidad y a la versatilidad como modelo de práctica alternativa con respecto a 24/7?

BL: 24/7 es experimentación continua en permanente evolución.

JSR: Jamás quisimos que 24/7 tuviera una estructura fija. La manera en que ha evolucionado el proyecto dependió de aquello que estuvimos en condiciones de hacer. La estructura informal nos brinda una gran flexibilidad.

PLB: 24/7 es un proyecto en desarrollo. No tenemos un plan para el corto o el mediano plazo. Así es como nos manejamos porque nos divierte. Pensamos en artistas con quienes nos gustaría trabajar y los invitamos. Creo que de ese modo tenemos una increíble libertad para crear. No nos encontramos sujetos a una estructura formal o institucionalizada.

JSR: Todo el tiempo nos surgen ideas. No tenemos un programa. Podríamos realizar otro evento dentro de un mes o quizá dentro de tres meses no hayamos hecho nada.

PLB: Los eventos que realmente planeamos nunca se llevan a cabo. Quizás alguien piense que la mayoría de nuestras ideas son ridículas, pero las ponemos en práctica simplemente para ver qué ocurre. En la mayoría de los casos, funcionan y si cometemos un error, siempre podremos llamarlo arte.

published on www.latinart.com

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